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第8回横浜トリエンナーレ「野草:いま、ここで⽣きてる」@ 横浜美術館・旧第⼀銀⾏横浜⽀店・BankART KAIKO

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前回のトリエンナーレから4年開いちゃったけどヨコトリがまた始まりました。
ちなみに1回目と2回目の間も4年開いてて、その時はディレクターの交代劇のせいだったけど、今回は横浜美術館のリニューアル工事がコロナの影響で長引いたため。
というわけで新しくなった横浜美術館と旧第⼀銀⾏横浜⽀店、BankART KAIKOの3会場をメインに、北京をベースにしているリウ・ディン(劉鼎)とキャロル・インホワ・ルー(盧迎華)によるディレクションで無事開幕しました。
前回のラクスメディア・コレクティブに続き海外からの起用です。
次のあいちもそうだけど、この流れはめちゃくちゃ良いことですね。

今回のテーマは「野草:いま、ここで⽣きてる」。
魯迅の詩集『野草』(1927)からとられました。
日本とも繋がりの深い魯迅からテーマが発展していくのはとても意義深いですよね。
ただ、中身はかなり社会的というか政治的で正直かなり難解。
全体として「抵抗としてのアート」としてまとめることができると思います。
まずは横浜美術館。入ってすぐ広がる「グランドギャラリー」は、以前は閉じられてた天井のルーバーが開いていて、自然光が差し込む解放的な空間になってました。
ただ、そこで展開していたのはもはやカオスと化した展示。
ウクライナのコレクティブ、オープングループによる映像「繰り返してください」から流れるロシア軍による攻撃音を真似て発した声が会場中に響き渡っていて、その周りにはテントのような作品がいくつかあって、かなり物々しい雰囲気。
展示室も、デモや暴動の映像がところどころで流れていて、観に来ていた子供達が親に「どうしてあの人は捕まってるの?」と訊いてて、大人たちが困ってたり。
また、近年再評価の進む社会活動家で画家の富山妙子のミニ回顧展コーナーがあったり、李平凡を中心に広がった中国の版画運動の紹介があったり、抵抗の歴史を紹介する博物館のような趣もありました。
まあ、とにかく情報が多いので、一つ一つ拾い上げていくとかなり時間がかかります。
僕はもう最初から諦めてしまって、そこまで真剣に対峙することができませんでした。。。
出品作家のほとんどが、所謂メインストリームの「欧米の白人」から外れた、これまであまり紹介されることのなかったアジアやアフリカ、南米出身のアーティストで、ほぼ知らない作家のオンパレードってのも辛かった。
こういう流れってもはや逆差別では?とすら僕なんかは思っちゃうんだけどどうなんだろ?
ちょっとは有名作家入れてもらわないと、出品作家の多い国際展だと中々集中して観れないんですよね。。。
個人的に横浜とも縁が深いBゼミの展示やジェレミー・デラーがターナー賞を射止めた伝説の「The Battle of Orgreave」なんかがあって嬉しかったのですが、後者は一時間近くあるので全部は観られず。
残り2会場もかなりカオスでほぼ流し見。
かなり消化不良な今回のヨコトリでした。
とはいえ、かなりチャレンジングな展覧会なので一見の価値はあると思います。6月9日まで。こちら

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ところでみなとみらい駅からクイーンズスクエア横浜経由で美術館行こうとしたら、壁面にフリードリヒ・フォン・シラーの詩が刻まれてて、絶対今回の出品作だ!と思って写真撮ったけど違った。
これはコスースの作品で元々あったらしく、今回の出品作としては北島敬三と森村泰昌のコラボ作品があったらしい。
他にも「アートもりもり」と題して横浜各所に展示があったらしいんだけど、横浜嫌い過ぎてメイン会場以外は回らず直帰しましたとさ。
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カール・アンドレ 彫刻と詩、その間 @ DIC川村記念美術館

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今年に入って巨匠と言われる彫刻家の訃報が続いています。
リチャード・セラに舟越桂、そして今年1月24日に逝去したカール・アンドレの日本初の美術館個展がDIC川村記念美術館で始まりました。
韓国の大邱美術館からの巡回展で、アジア初は韓国に奪われましたが奇しくも作家の死後初の個展となりました。
70年代を席巻したミニマリズムの代表の1人でありながらなぜここまで美術館での個展が遅れたのか。
それはあまりにもミニマリズムを地でやりすぎて、没個性化したのではと勝手に推測します。
マイケル・フリードが彼らを揶揄する目的で「Literalism」と呼んだわけですが、要は「まんま」ってことなんだけど、アンドレの作品ほど「まんま」な作品はないわけです。
アンドレ自身もミニマルという言葉は作品に対してではなくアーティストの態度にあると言っています。
そもそも作品という形になってる時点でもはやミニマルではないんですよね。
作品自体をミニマルにするならもはや伝説化しているマーティン・クリードの展示室には何もなくて電気が点いたり消えたりする「Work No. 227, The lights going on and off」ぐらいやらないとね。
そういう意味でクリードは現代で最もアンドレに近い作家だと思います。
実際以前テートモダンのコレクション展で、クリードの「the whole world + the work = the whole world」と書かれたネオン管の下にアンドレの作品が置かれていて、作品と知らずに踏んでる人もいて、まさに作品があろうかなかろうか成立してる世界がその場で実現していて素晴らしいコラボレーションを見た気がしたのを覚えています。

今回改めてその展示を見ると、その歴史を知らない人からするとへ?って思うしかないのではという風景。
展示というか、なんてったって木やら金属板やらがひたすら床に並んでるだけですからねw
とはいえ、その歴史を知ってる自分なんかすると、もう会場入った瞬間から泣きそうになりました。。。
あえて空間をほぼ切らずに大空間に置かれたそれらの素材たち。
会場入る前にはアンドレ自身がコロナ禍中に録音したという詩の朗読が聞こえていて、受付で「上を歩ける作品と歩けない作品があります」という独特のアナウンスがありますw
そう、彼の作品の最大の特徴は何と言ってもその上を歩けること!
「作品にお手を触れないでください」が当然な美術作品をあろうことか踏んづけられるのです。
2021年に同館で開催された「ミニマル/コンセプチュアル」展(筆者は愛知で拝見)でも、1967年にデュッセルドルフのコンラート・フィッシャーのギャラリーで展示されたその踏むタイプの作品に対して観客が躊躇する中、フィッシャー自身が率先して踏んづけて扇動してるめちゃくちゃいい写真がありました。
今回僕は踏みしめるように何度も踏んづけさせていただきました。幸。
彼の作品は視覚ではなく五感を使って鑑賞するものなので実際に体験しなくてはならないのです。

また、他の特徴と言えば、素材をほぼ加工することなくただ配置することに終始している点。
その辺りは沢山遼さんの鮮烈なデビューとなった「レイバー・ワーク──カール・アンドレにおける制作の概念」に詳しいので是非それを読んでもらいたいです。
以下一部引用。

「作者をはじめとする身体に求められるのは、制作や展示のたびに単調かつ、いかなる技術も必要とされない肉体的反復を強いられることである。アンドレの作品はその素材において貧しいだけではない、それを必要とする行為こそが徹底して貧しい。ここのユニットは、鉄板であれば50センチ、木材なら90センチ、重量は3.6キロを超えることはほとんどない。ユニットを成立させる要件はいずれも、アンドレ自身が持ち運び作業できる大きさと重量に依って決定されているのである。」

そのことを創造的な「仕事work」ではなく「労働labor」と呼んだのは言い得て妙。
他のミニマリズムのアーティストのジャッドだってルウィットだって、素材に対して溶接やら組み立てやらの操作が介入してるのですが、アンドレの作品に関してはその操作は一切ありません。
今回実際に作品踏んだりしてみて思ったけど、マジで固定すらされてなさそう。
本当に「置く」か「積む」だけが徹底されてます。
彼はスタジオも持たず、現地で素材を調達して現場で設置してたらしく、それでここまで大成したんだから全作家が羨む態度だと思います。(35歳の若さでグッゲンハイムで回顧展!!)
作品の素材もオリジナルという概念に捉われず次の作品に転用されたり場合によっては展示が終わったら廃棄されるなんてことも。
ただ、唯一今回の出品作でどう見ても手で運べるサイズではない鉄の塊を曲げて通路にしてる「Rise」という作品だけが異様でした。
1970年のグッゲンハイムでは「Fall」という作品が屋外に設置されてたのですがその兄弟版ってことかな?

あとこの展覧会で本当に感じたのは、アンドレ自身が言っている「場」としての作品の在り方。
大きな展示室に彼の作品が置かれることで、そこはただの「場」と化して、作品鑑賞というぎこちなさから観客が解き放たれて自由に動き回ることができるわけです。
それは後半の詩の作品にも共通していて、紙が場となってその上を文字が自由に置かれているのです。
元々両親からの影響もあって詩を子供の頃から作っていて(最初の詩作は6歳!)、言葉というより視覚的に楽しんでいたんだろうなと想像します。
ただ、コンクリート・ポエトリーと違って、展覧会冒頭の朗読からもわかるように、実際読むこともできるというのが彼の詩作品の特徴です。
これも目だけではなく耳からも作品を味わうという、彼の彫刻からも受け取れる態度ですね。
他にも2010年以降に作られた小さな作品たちもあって、肩肘張らずに作られた自由さがあってこれはこれで良かった。
大きな作品にはない着色なんかも施されてて新鮮でした。
とにかく、国内巡回もなさそうなので、マジで必見の展覧会です!!!6月30日まで。こちら
今回展覧会初日から図録が刊行されてるのですが、なんと既に展示風景が収録されてます!!
これマジですごいことで、どういうスケジューリングでこんなことができるのか想像もできない。。。
搬入から撮影、デザインまでこんな短時間でできるものなのかしら。。。
昨今の図録は初日から販売される場合は過去の展示写真しかないし、展示風景入れる場合は展覧会始まって大分経ってから、あるいは終わってからなんてのもザラ。
書店だと5280円ですが、会場だと3740円で買えます!

そして川村記念美術館は何と言ってもコレクションがヤバヤバのヤバなのでそれらを見るだけでも最高。
ロスコルームはもはや言うまでもなく最高だし、リチャード・ハミルトンの小特集も良かった。
今回導入としてアンドレと同じ高校の先輩後輩で一時はスタジオもシェアしていたというステラ作品の展示もあってエモいです。
そんなステラは現在NYのジェフリー・ダイチで新作個展中。。。一個下とはいえ凄過ぎ。。。
あと、一昨年の「カラーフィールド」展で出てたジュールズ・オリツキーの「高み」が、昔バーネット・ニューマンの「アンナの光」があった部屋に展示してあったのめっちゃびっくりした。。。
あれってデイヴィッド・マーヴィッシュのコレクションじゃなかったの??それを買い取ったってこと??
兎に角「アンナの光」売却後、中途半端な展示が続いた200室にようやくしっくりくる作品が展示されました。
左右の窓から入ってくる森の景色と木漏れ日に、このエメラルドグリーンの絵画がめちゃくちゃ映えるのでこれは一生このままでいいと思いました。
ぜひロスコルームとオリツキールームで定番化してほしいですね。


ブランクーシ 本質を象る @ アーティゾン美術館 (-7/7)
初期のアンドレにも大きな影響を与えたブランクーシの日本初個展がアーティゾンで始まりました!
初だなんて意外すぎるけど、ブランクーシ作品を集めるのは中々容易ではないようです。
今回はブランクーシ・エステートと国内の作品が彫刻作品23点を含む合わせて約90点が集められました。
目録見ると国内だけでも結構あって、日本すごい!ってなります。
冒頭は伝統的な顔の彫刻から始まるのですが、次の部屋では「これぞブランクーシ!」という作品がずらりと並んでて圧巻。
今回のチラシにもなってる「接吻」をアーティゾンが持ってるのはデカい。
さらに彼の代名詞ともなってる卵のような彫刻が完璧なライティングで輝いててため息が出るほど美しいです。。。
壁には彼自身が撮った写真があるんだけど、犬と撮ったやつがなんだか不思議で可笑しかった。
彼と交流のあったモディリアーニやデュシャンの作品も並べられてるんだけど、これらもアーティゾン所蔵。強すぎ。
さらに今回ブランクーシのアトリエの再現ルームがあって必見。
ちゃんと彼のアトリエに降り注ぐ自然光も再現されててめちゃくちゃ映えます。
さらに進むと彼の弟子だったイサム・ノグチの作品も。
ロダンからブランクーシ、ノグチと連綿と受け継がれていくの凄すぎ。
最後は卵に並ぶ彼の代表作である「空間の鳥」の展示。360度惚れ惚れするフォルムであります。
これ、横浜美術館が持ってるの凄すぎませんか。
最後はデュシャンの作品で終わってるのは謎すぎた。
ちなみに彼の経歴読んでたらかなりクレイジーでルーマニアからパリまで歩いて渡ったりマジかってなりましたw
とにかく展示が素晴らしいし、台座とかも特徴的なのでチェケラ。
下の階ではアーティゾン所蔵の彫刻がズラッと並んでてマジかよってなりましたw
ロダンやジャコメッティのドローイングもあってめちゃくちゃ良き。
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「マティス 自由なフォルム」@ 国立新美術館 (-5/27)
本来は2021年に開催予定だった本展が4年の時を経ていよいよ開幕!
コロナで流れてしまい、20年ぶりの売り文句は昨年の都美に奪われるは散々。。。
個人的にも昨年末にも上海で観ちゃったしどうかな、と思ったんですが蓋開けて見たら非常に良い展覧会でした。
昨年の都美がポンピドゥーのコレクションに対し、今回はニース市マティス美術館からのコレクション。
空間の広さもあってあそびのあるゆったりとした空間構成でした。
都美の方は初期から晩年まで揃ったまさに回顧展という名にふさわしい展覧会で、今回のはむしろマティスの言うところの「肘掛け椅子のような」展覧会。
終始リラックスしたムードで観られてとても良かった。
これだけ短期間にマティス展をいくつも観られる機会なんてないので、それぞれ比べられるのはマジで贅沢すぎます。
前半は初期からフォービズムに至るまでの作品を並べてるんだけど、途中途中でこれ下絵じゃないの?っていうのもあって興味深いです。
作品だけでなく、作品のモチーフになったインドの織物や、ヴェネツィアの椅子、中東の火鉢なんかも展示されてて面白かった。
この展覧会のギアが上がるのがSection3以降。
3ではマティスが手がけた舞台衣装や装飾が展示されてて、ここまでまとめてちゃんと見たのは初めて。
そして切り絵を中心としたこの展覧会タイトルでもあるSection4の「自由なフォルム」へと移るんだけど、この「自由」という言葉の裏に、たくさんのトライ&エラーが垣間見られて泣きそうになりました。
マティスの作品って、ささっと描いてそうに見えてもその下に無数の努力があって、実物を見ると何度も線を消した跡や、白で修正した跡、上から別の紙を貼って修正した跡なんかがわかります。
「自由」を実現する為のその無数の足掻きが涙を誘います。
そして最後のSection5のロザリオ礼拝堂へ。
彼が手がけた聖衣の為のマケットが天井高のある空間にずらっと並んだ様は圧巻。
クライマックスはなんと今回その礼拝堂の内部の再現が展示されてます。
光が差し込んでステンドグラス越しに移り行く色とりどりの影も再現されてます。
天井高のあるこの美術館ならではの展示でやられました。
去年行ったからいいやって人もまた違った味が楽しめるので是非。
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アピチャッポン・ウィーラセタクン「Solarium」@ SCAI THE BATHHOUSE (-5/25)
今タイのチェンライというところでタイランドビエンナーレってのがやってて、タイ行ったことないし、出品作家豪華だし思い切って行っちゃおうかなと思って開催地域見たらタイ版越後妻有みたく広範囲に渡っててどうやってまわんねん!ってなって断念して悲しみだったのですが、そのビエンナーレの出品作であるアピチャッポンの新作がSCAIで観れる!ってんで行ってきました。
ビエンナーレでは廃校になった校舎でやってるのでまた雰囲気は違ったんだろうけど、映像だけでも東京で観られるのありがた過ぎ。
今回は初のドローイングと共にその映像作品「solarium」が展示されてます。
空間が半分に仕切られてて、入口側ではドローイングと写真が収められてケースの作品、奥では映像が展示されてます。
ドローイングと映像は、アピチャッポンが幼少期に観たタイのホラー映画「The Hollow-eyed Ghost」が元になっていて、盲目になった妻を救うために患者の眼球を盗んだ医師が、暗闇の中で自身の眼を探し彷徨う様が、空間の真ん中に設置されたガラスパネルに両側から投射されています。
眼球が空間いっぱいに広がる様が狂気でありながらかなり美しい映像インスタレーションになってました。
彼がこれまでテーマにしてきた「亡霊」だったり「光」であったり「見ること」だったりというテーマが凝縮された作品でかなり見応えがありました。最高!
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MARK LECKEY FIORUCCI MADE ME HARDCORE FEAT. BIG RED SOUNDSYSTEM @ Espace Louis Vutton Tokyo (-8/18)
2008年のターナー賞受賞者マーク・レッキーの日本初個展。
彼はイギリスのYBA世代ですが、本格的に活動を開始したのは90年代後半。
とはいえ、今回出品されてる3点いずれもポップでYBA世代らしさが出てます。
展覧会タイトルになってる「Fiorucci Made Me Hardcore」は80年代のディスコから90年代のテクノに至るまでのクラブカルチャーを繋ぎ合わせた映像作品で、その音が「SoundSystems」という巨大なスピーカーによって会場中に鳴り響いてます。
実際「SoundSystems」の目の前に立つと音の臨場感がすごい。
さらにその上には漫画のキャラクター フィリックス・ザ・キャットの「Felix the Cat」が鎮座してます。
まあ、ややコンセプチュアルなのでよくわからないよねw
それよか大阪のルイ・ヴィトンでやってるアイザック・ジュリアンの方が観たい。。。
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生誕120年 安井仲治 僕の大切な写真 @ 東京ステーションギャラリー

最近観た写真展関連まとめ。

生誕120年 安井仲治 僕の大切な写真 @ 東京ステーションギャラリー (-4/14)
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日本写真史においてこの人の名を抜きにしては語れない存在なのが安井仲治。
戦前の日本写真家としては最高峰と言って間違い無いでしょう。
彼の何が凄いかって、1人写真史とも言えるほどの多様な展開。
初期のプロムオイルを使ったピクトリアリズム的写真から、構成主義的な新興写真、合成を施したシュールレアリスティックな写真、メイデーや移民としてやってきたユダヤ人を撮った報道写真のような作品、そして在日朝鮮人村やサーカスを撮った写真など、本当に多岐にわたる内容。
しかもこれらをたった38年の生涯で撮り尽くしたというのがもはや言葉もありません。
今回の展覧会はそんな安井仲治の回顧展としては20年ぶり。
前回は逃してる分今回が初めて通覧する機会だったのでワクワクが止まらなかったのですが、もう本当に凄い展覧会でした!!!
これ本当に1人の写真家の個展なの??ってぐらいに多様なので、本当に見ていて楽しい。
プリントの一枚一枚の強度が凄くて、見応えがえぐい。
何より仲治の人柄なのかなんなのか、どの写真からも仲治の優しい眼差しを感じられて温かい気持ちになりました。
巨匠なのに巨匠の威圧感のようなものが一切ないのです。
そんな中でも犬と少女を撮った写真が僕の中で最も印象的で、これだけ多様な展開しながらも、こんなにシンプルな写真も撮れてしまうのかという驚きがありました。
子犬がまるで少女を守ろうとしてるような勇ましさがあって微笑ましい。
どうしてもイズム的な写真ばかりが取り上げられがちだけど、こういう何気ない写真を撮るのもうまかったんだなぁと改めての発見もあって、本当に最高の展覧会でした。
あと、元のコンタクトプリントも展示されてるので、最終的に作品としてどうトリミングされてるのかも知れて面白かったです。
彼の代表作の一つの「凝視」(1931)は、勝手に女性の像だと思ってたのだけど、今回の展示で改めて男性の写真に鉄塔の写真を重ねて焼いたものだと知りました。鉄塔の部分を勝手に髪の毛だと思ってたんですね。
最後の花鳥風月的な、まるで老後の趣味的な写真は、彼の若過ぎる死を前にとても悲しく映りました。


没後50年 木村伊兵衛 写真に生きる @ 東京都写真美術館 (-5/12)
記憶:リメンブランス ―現代写真・映像の表現から @ 東京都写真美術館 (-6/9)
恵比寿映像祭2024 コミッション・プロジェクト @ 東京都写真美術館 (会期終了)
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安井仲治と同世代の木村伊兵衛の没後50年を記念した展覧会が写美で始まりました。
木村伊兵衛が活躍したのって戦中戦後のイメージだったので、てっきり年下かと思ったらむしろ木村の方が2個上でした。
展覧会は1930年代の沖縄から始まり、小説家や俳優の肖像、昭和の風景、ヨーロッパ、中国、秋田、パリのカラー写真と続きます。
改めて市井の人々を写すのが本当に上手。
今はなき冒頭の沖縄の風景は同じ日本とは思えないぐらい異国情緒漂います。
昭和の風景も、終戦の靖国神社を撮った写真があまりに鮮烈。
仲治の写真にも猿回しの観客を撮ったものがありましたが、木村も花火や花見の観客を撮った写真がめちゃくちゃ良い。
アラーキーが絶賛してた屋根越しの花火の写真も本当に完璧。
全く違う環境なのに、パリの写真も素晴らしくて、カルティエの影響なのか最初の鳩が飛び立ってる写真なんかは「決定的瞬間」を感じました。
パリの写真に比べるとロンドンやローマはそれほど良くなかった。
昨年初めて見つかったという中国を写したオリジナルプリントも素晴らしかった。
パンダや国慶節の花火を写した写真は完璧。
「帰路」っていう田舎道をただ1人歩いてる写真が雄大で素敵。
秋田に至っては今や有名になった作品のオンパレードで眼福でした。
最後のカラー写真はちょっと物足りないかな。やっぱり白黒が良いですね。
なんだか全体的に牧歌的な雰囲気で、戦中のこととか全く触れられてないし、地下でやってるのも不自然なので多分持ち込み企画なんだろうなぁとは思うけど、木村伊兵衛の代表作が沢山観られるのでそれはそれとておすすめです。
上階では「記憶」をテーマにしたグループ展と恵比寿映像祭のコミッション展示。
「記憶」はかなり広すぎるテーマなので全体的にぼんやりした印象でした。
そんな中でも米田知子はこのテーマにぴったり過ぎる作品で、韓国と北朝鮮の非武装地帯をテーマにしていて、鏡で写した写真が印象的。
他にも坂本龍馬を撮ったことでも有名な日本初の写真館を作った上野彦馬をテーマにした小田原のどかの展示や、AIによるドローイングを試みた村山悟朗など、写真家ではない作家があえて選ばれてるのも本展の特徴。
また冒頭は、今年一月に亡くなった篠山紀信の展示で、奇しくも追悼のような展示でした。
映像祭コミッションは金仁淑と荒木悠。
金さんは先日木村伊兵衛賞をとったばかりだけどちょっとよくわからなかったごめんなさい。。。
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中平卓馬 火―氾濫 @ 東京国立近代美術館 (-4/7)
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仲治や伊兵衛と対照的なのが戦後写真家の代表格の1人中平卓馬。
というかこの3人の回顧展が同時に見られる東京ってやっぱり凄い。。。
こちらも約20年ぶりの回顧展。
何が対照的かというと、中平の作品には、一枚一枚の強さが驚くほどないのです。
何というか、彼の写真には、写真に対する愛憎が感じられるというか、かなりシニカルな視線を感じてしまうんですよね。
写真を信用しきってないというか、写真の軽薄さを写真にしているというか。
なので、この展覧会も前半はほぼ流し見になっちゃいました。
まるで雑誌のページを捲るような感覚で、すらすら見れてしまう写真たち。
写ってる内容は結構重かったりするのに、作品が悲しいほど軽い。
実際中平の作品が使われてる本の展示が多いんですが、この時代写真は一枚で見せるものではなく、紙になって読まれるものという考えも根底にあるんだろうなぁと思いました。
まあ、そもそも中平は編集者ですからね。
本の展示が多いのは中平が初期の活動を否定してネガを燃やしてしまったのもあるんですが。
1971年のパリ青年ビエンナーレの展示や1974年に東京国立近代美術館で開催した「15人の写真家」展の出品作《氾濫》の再展示などを見るにつけ、写真は個ではなく群として見せてなんぼみたいなのが感じられました。
今回後者の展示に関して、ヴィンテージプリントと焼き直しのプリントで構成されたバージョンが見比べられて面白かったです。
興味深かったのが1977年に昏倒し記憶喪失を起こしてからの写真が、個としての写真に近付いていってる点。
特に最後の展示室に展示されてた2011年に大阪で展示した「キリカエ」というカラーの大判印刷された写真群は一点一点の力が強くて目を見張りました。
その4年後の2015年に亡くなると思うと、最晩年にこれだけ「強い」写真を撮ってる彼の写真人生に、何となく救われる思いがしました。
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ところで東近美、一昨年のリヒター以来一年以上ぶりでした。
来たら来たで常設毎回すごいので満足度が高いんですよね。
今回も岸田劉生特集部屋があったり、初めて見る吉原治良の絵があったり、日高理恵子や児玉靖枝、青木野枝らの作品も素晴らしいし、安井仲治に東松照明、高梨豊らの写真、そして阪神大震災の爪痕を写した宮本隆司の写真群もすごかった。
白眉は3階の芹沢銈介特集。空間とのマッチングがえげつなかった。。。
今年はもっと来たいのでいい企画お願いします。。。
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第17回 shiseido art egg 野村在 君の存在は消えない、だから大丈夫 @ 資生堂ギャラリー (-4/14)
前から好きな作家さんだったけど、今更資生堂アートエッグなの?と思いつつ観に行ったらエッグとは程遠い成熟した表現に惚れ惚れしました。
彼のことを写真家と括るにはやや無理があるものの、彼がやってる行為は極めて写真的だし、今回の個展は「記憶」が大きなテーマになってるので、上述の写美でのリメンブランスとも繋がるものでした。
大空間には今回のタイトルにもなってる天井のマシンから降りてくるテープ。
テープには一人分のDNAデータが打刻されていて、最終的には12,000,000mとなって、全データを刻印するまでの時間は91年と172日かかるそう。
壁にはそのパーセンテージが投射されてるけどまだまだかかりそう。。。
さらに壁には「バイオフォトンはかくも輝く」という彩り豊かなガラスが展示されてて、これは過去120年間に撮影された写真を暗室で燃やしてその光を長時間露光で撮影してガラスに印刷してるのだそう。
タイトルにはそれぞれ写っていた人の特徴が書かれてるんだけど、それは像からは判別不可能なので想像するしかないのだけど、これは奥の「ファントーム」という作品でもそうで、ウェブで募集した故人の写真を水に印刷するものなんだけど、具体的な像が浮かぶのではなく、その分のインクが水に流れてきてこれがまたまあ美しいのなんの!!!
以前AKI INOMATAが雲を水の中に印刷してたけど、それとは対照的に抽象的に水の中でインクが揺蕩う様が本当にロマンチックで泣きそうになりました。
どれも詩情に溢れた作品たちで心が震えました。必見!!!
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阿部淳 「黒白ノート」@ スタジオ35分 (前期終了 後期 4/10-27)
山谷佑介 写真展「ONSEN」@ スタジオ35分 (会期終了)
最後は35分。
阿部さんは80年代から大阪でストリートスナップを撮り続けてる方で初見。
そう聞くと釜ヶ崎のような所謂ドヤ街のようなものを想像しちゃうんだけど、阿部さんの写真は全然違って、言われないとそれが大阪ってわかりません。
それぐらいフラットに街を撮り歩いてて、時代性もそんなに古く感じないのが不思議。
場所性も時代性からも解放されてて、ただただ街の風景が反映されてます。
阿部さん自身もラジオで仰ってたけど、人が写ってるものでも、人にフォーカスを当てるんじゃなくて風景の一部としてでしか撮ってないので相手もそこまで意識せず撮られてるそう。
後期もこれから始まるのでまだの方はぜひ。
山谷さんも初めて知った写真家さんだったけど、めちゃくちゃ面白かった。
タイトルから、牧歌的な温泉のイメージを浮かべそうになるけど、そのイメージは根底から覆されます。
いわゆる野湯と言われる、人が整備していない自然の中にある温泉で撮られた写真は、荒々しくて、時代性が一気にわからなくなります。
なので一瞬物故作家の作品なのかと思える渋さがあったりするんだけど、カラーになると途端に華やかになって、その振り幅に魅了されました。
そして、どこか細江英公をも思わせる演出なのか何なのかわからない不自然な人々の姿も素晴らしい。
勅使河原宏の「砂の女」なんかも思い出したり、彼の撮るイメージから色んなイメージを連想させられる写真でした。
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・2024.04.24-09.01
シアスター・ゲイツ展:アフロ民藝 @ 森美術館

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デ・キリコ展 @ 東京都美術館

・2024.05.23-08.04
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カルダー:そよぐ、感じる、日本 @ 麻布台ヒルズギャラリー

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・2024.06.25-09.23
内藤礼 生まれておいで 生きておいで @ 東京国立博物館 平成館企画展示室、本館特別5室、本館1階ラウンジ

・2024.06.29-09.16
ポール・ケアホルム展 時代を超えたミニマリズム @ パナソニック汐留美術館

・2024.07.10-23
椿組「かなかぬち」〜ちちのみの父はいまさず〜 @ 新宿花園神社境内特設ステージ

・2024.07.13-09.29
鴻池朋子展:メディシン・インフラ @ 青森県立美術館

・2024.07.13-09.28
石田尚志 絵と窓の間 @ 神奈川県立近代美術館 葉山館

・2024.07.20-09.23
平田晃久―人間の波打ちぎわ @ 練馬区立美術館

・2024.09.04-11.24
大西麻貴+百田有希 / o+h展 @ ギャラリー間

・2024.09.07-2025.01.13
内藤礼 生まれておいで 生きておいで @ 銀座メゾンエルメス フォーラム

・2024.09.25-2025.01.19
ルイーズ・ブルジョワ展 @ 森美術館

・2024.03.27-09.22
アイザック・ジュリアン - Ten Thousand Waves @ エスパス ルイ・ヴィトン大阪

・2024.09.14-12.01
塩田千春 つながる私(アイ) @ 大阪中之島美術館

・2024.09.21-10.06
地点「知恵の悲しみ」@ アンダースロー

・2024.10.03-12.17
松谷武判 Matsutani Takesada(仮称) @ オペラシティアートギャラリー

・2024.10.30-12.16
絵のアティテューズ―― 荒川ナッシュ医(仮) @ 国立新美術館

・2024.11.02-2025.02.09
ジャム・セッション 石橋財団コレクション×毛利悠子 ―ピュシスについて @ アーティゾン美術館

・2024.11.23-2025.01.26
「再開館記念―トゥールーズ=ロートレックとソフィ・カル」展(仮称) @ 三菱一号館美術館

・2024.11.30-2025.02.02
須田悦弘展 @ 渋谷区立松濤美術館

・2024.11.30-2025.02.16
鉄とガラス 青木野枝/三嶋りつ惠(仮称) @ 東京都庭園美術館

・2024.11.30-2025.02.09
原田裕規展(仮)@ 広島市現代美術館

・2024.10.24-2025.02.25
Bangkok Art Biennale 2024: Nurture Gaia @ BACC他

・2025.01.18-2025.05.18
玉山拓郎 @ 豊田市美術館

・2025.02.15-06.01
フェリックス・ゴンザレス=トレス(仮)@ 国立国際美術館

・2025.03.04-06.15
ヒルマ・アフ・クリント展(仮称)@ 東京国立近代美術館

・2025.09.13-11.30
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・2025.09.26-11.24
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